La escala mayor (parte 2)

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¿Cuántas escalas mayores?


En nuestro artículo anterior aprendimos cómo se forma una escala mayor partiendo desde cualquier nota. En términos generales podemos decir que simplemente hay que aplicar la fórmula:
T  T  ST  T  T  T  ST.

Como vimos, las escalas mayores se forman con 7 notas diferentes, pero al nombrar las notas de la escala mencionamos 8 notas, porque siempre se empieza y se termina con la misma nota. Es decir: Escala de C mayor: C  D  E  F  G  A  B  C  (la escala empieza y termina en C). Escala de F mayor: F  G  A  Bb  C  D  E  F  (la escala empieza y termina en F). También dijimos que las escalas mayores no pueden tener nombres de notas repetidos (salvo lo arriba mencionado) ni saltarse ninguna nota. Por este motivo una escala como la de F mayor no puede tener A#, pues si así fuera, la escala sería:

F  G  A  A#  C  D  E  F




Como podemos ver, aunque en el piano la nota A# es la misma que Bb (son enarmónicas), técnicamente es incorrecto escribir así la escala de F mayor, pues estamos excluyendo a la nota B y repitiendo la nota A. Entonces lo correcto es usar Bb en lugar de A#. De este modo todas las notas son nombradas y el resultado sonoro es el mismo:

F  G  A  Bb  C  D  E  F

Alteraciones dobles

Por motivos similares, técnicamente tampoco es posible construir escalas mayores desde cualquiera de las 12 notas. Por ejemplo, no existe la escala de G# mayor, pero sí la de Ab mayor. Veamos a qué se debe esto siguiendo la fórmula paso a paso y cuidando no saltarnos ni repetir notas:
  1. Partimos de G#
  2. Tono adelante: A#
  3. Tono adelante: B#
  4. Semitono adelante: C#
  5. Tono adelante: D#
  6. Tono adelante: E#
  7. Tono adelante: ??? G?


Como podemos ver, en primer lugar todas las notas son sostenidas y esto las hace más difícil de entender y visualizar. En segundo lugar tenemos que usar un E#, sería más sencillo usar F pero no nos podemos saltar la nota E. En tercer lugar, un tono adelante de E# es F doble sostenido! A esto se le llama doble alteración y se representa Fx. Fx es enarmónico de G y claramente el uso de alteraciones dobles complica las cosas mucho más. De manera similar puede existir el doble bemol, que se representa bb (Abb, Cbb, etc.). Si en vez de usar G# usamos Ab, entonces no tendremos problemas de dobles alteraciones, pues la escala quedaría:

Ab  Bb  C  D  Eb  F  G  Ab

De este modo es mucho más sencillo leer y entender. De manera similar se usa la escala de Eb en vez de la de D#. La escala de Bb en vez de la de A# entre otras.

Las 15 escalas mayores

Por otro lado, también existen algunas escalas mayores enarmónicas. Por ejemplo podemos formar la escala de Db y la de C#. Ambas son válidas, pues no presentan dobles alteraciones ni se saltan notas. En estos casos, es más común usar Db porque tiene menos alteraciones. Db mayor: Db  Eb  F  Gb  Ab  Bb  C  dB C# mayor: C#  D#  E#  F#  G#  A#  B#  C# (todas las notas son sostenidas) De este modo podemos mencionar las 15 escalas mayores posibles dentro de la armonía. Todo músico profesional está obligado a conocerlas y a tocar cualquiera de ellas con la misma facilidad:


Es un gran ejercicio construir todas estas escalas y practicarlas de diversas maneras en nuestro instrumento musical principal.


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La escala mayor (parte 1)

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¿Qué son las escalas mayores?

Quizás el tema más importante que debemos entender sobre armonía es la escala mayor. Sabemos que en el sistema occidental de afinación contamos con 12 notas diferentes, como lo vimos en el artículo de la Escala cromática. Sin embargo, para hacer música, normalmente usamos solo algunas de esas 12 notas. Dicha selección de notas se llama escala. Existen muchos tipos de escalas, pero la más básica es la escala mayor, que consta de 7 notas diferentes. Existe una escala mayor para cada nota de la escala cromática, es decir, tenemos la escala de C, C#, D, etc. La escala mayor más famosa es la de C, que tiene las notas: C  D  E  F  G  A  B  C (do, re, mi, fa, sol, la, si, do). Como podemos observar la escala en realidad se compone de 8 notas, pero sólo 7 sonidos distintos. Es decir, toda escala mayor comienza y termina con la misma nota pero una octava más arriba.


Usando Tetracordes

Para construir una escala mayor debemos seguir una fórmula similar a la que usamos para crear tetracordes (T T ST). La fórmula de la escala mayor es:

T  T  ST  T  T  T  ST
T = tono; ST = semitono.

Si comparamos ambas fórmulas podremos ver que la escala mayor esta formada por dos tetracordes:
T  T  ST  T  T  T  ST



Por esta razón, si podemos construir tetracordes, podemos formar escalas mayores fácilmente. Veamos algunos ejemplos usando la fórmula.

 Escala de G mayor:
  1. Partimos de G
  2. Avanzamos un tono adelante: A
  3. Otro tono adelante: B
  4. Ahora un semitono adelante: C
  5. Después avanzamos un tono más según la fórmula: D
  6. Ahora de nuevo un tono: E
  7. Después otro tono: F# (recordemos que un tono arriba de E nos lleva a F#, no a F)
  8. Y finalmente avanzamos un semitono: G
La escala de G mayor tiene las notas: G  A  B  C  D  E  F#  G



Otro ejemplo, la escala de F mayor:
  1. Partimos de F
  2. Tono adelante: G
  3. Tono adelante: A
  4. Semitono adelante: Bb (usamos Bb en vez de A# porque la regla es no usar nombres repetidos de notas)
  5. Tono adelante: C
  6. Tono adelante: D
  7. Tono adelante: E
  8. Semitono adelante: F
Por lo tanto la escala de F mayor es: F  G  A  Bb  C  D  E  F. Sabremos que lo hicimos bien si la nota inicial concuerda con la final. Todas las escalas mayores tienen un "sonido" característico. Si tocamos una a una las notas de cualquier escala mayor podremos reconocer dicho sonido. Aún faltan otros ejemplos y cosas interesantes por mencionar con respecto a las escalas mayores, así que estén pendientes del próximo artículo.

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El tetracorde

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Tetracordes: la base para formar escalas 

Un concepto básico de la armonía es el tetracorde, que significa "4 notas". Entender los tetracordes nos ayudará a comprender las escalas más adelante.

La distancia que hay entre dos notas de la escala cromática se llama semitono. Por ejemplo, entre C y C# hay un semitono. Entre F y F# también hay un semitono de distancia. Entre G y Ab pasa lo mismo y así sucesivamente. (Nota: en estos artículos usaremos el cifrado anglosajón para nombrar las notas musicales). Esto es fácil visualizarlo en un teclado, en donde cada semitono es la tecla contigua, sin importar si es blanca o negra:


Ahora, dos semitonos forman un tono. Por ejemplo, de C a D hay dos semitonos (C a C# y C# a D), o sea hay un tono de distancia. De E a F hay solo un semitono de distancia, pero de Eb a F hay un tono. De B a C hay un semitono y de B a C# hay un tono.
 

Fórmula del tetracorde.

Bien, para formar un tetracorde debemos usar la siguiente fórmula:


Donde: T = tono y ST = semitono (medio tono).

Podemos formar tetracordes a partir de cualquier nota. Por ejemplo, empecemos desde C siguiendo nuestra fórmula Tono - Tono - Semitono:
  1. Partimos desde la nota C.
  2. Contamos un tono adelante y nos lleva a D.
  3. Contamos un segundo tono y nos lleva a E.
  4. Contamos ahora un semitono y nos lleva a F.
La fórmula T - T - ST nos ha proporcionado las notas: C, D, E y F que forman el tetracorde de C. Veamos otro ejemplo. Tetracorde de D:
  1. Partimos de D.
  2. Un tono adelante nos lleva a E.
  3. Un tono adelante nos lleva a F#.
  4. Un semitono adelante nos lleva a G.

Es decir, el tetracorde de D lo forman: D, E, F# y G. Ahora hagamos el tetracorde de F:
  1. Partimos de F.
  2. Un tono nos lleva a G.
  3. Otro tono nos lleva a A.
  4. Ahora un semitono nos lleva a Bb.
Entonces el tetracorde de F lo forman: F, G, A y Bb.

Una duda común es preguntar ¿por qué usamos Bb y no A# en este caso? La respuesta es que los tetracordes se deben formar con nombres de notas consecutivas, sin repetir ni saltar ninguna. Entonces en un tetracorde no puede haber un A y un A#, ni un Eb y un E, etc. Tampoco podemos formar uno con E y Gb, porque nos estaríamos saltando el nombre de F.

Así sucesivamente podemos (y debemos) crear tetracordes desde cualquier nota. Esto nos dará mucha fluidez en nuestra comprensión de la armonía más adelante. Finalmente, entender los tetracordes requiere de práctica. Es muy importante tocarlos a manera de melodía en algún instrumento para familiarizarnos con su particular sonido, pues este sonido nos dará la base de la escala mayor más adelante.

Aquí está un video mostrando el proceso de crear tetracordes:




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Muy bien, pues te invito a que me digas sobre qué tema de música, ingeniería en audio, acústica, producción o tecnología musical quisieras aprender. Mándame un mensaje en los comentarios o bien a través de Facebook o Instagram. ¡Saludos!

La escala cromática

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¿Qué es la escala cromática?


 Entre los elementos fundamentales de la armonía podemos mencionar a las escalas. Una escala es un conjunto de notas que tienen cierta relación entre sí. Las escalas son la base de la armonía moderna, pues a partir de ellas podemos entender mejor los acordes y su función en la música, así como saber qué notas utilizar al hacer un solo, un arreglo o una composición.
La escala más simple de entender es la escala cromática. Esta es la escala en la que se basa la música occidental, pues consiste en las 12 notas que usamos dentro de nuestro sistema de afinación (existen otros sistemas con distintas notas en lugares como India o China, por ejemplo). A continuación está la lista de cada nota expresada en cifrado americano, que es el sistema que utilizaremos de ahora en adelante:

Do: C 
Do sostenido: C#
Re: D
Re sostenido: D#
Mi: E
Fa: F
Fa sostenido: F#
Sol: G
Sol sostenido: G#
La: A
La sostenido: A#
Si: B

Esta es la manera de nombrar la escala de forma ascendente, es decir, de la nota más grave hasta la nota más aguda. De manera similar, podemos nombrar la escala de forma descendente, o de la nota más aguda hasta la nota más grave:

Si: B
Si bemol: Bb (el símbolo bemol es similar a una B minúscula)
La: A
La bemol: Ab
Sol: G
Sol bemol: Gb
Fa: F
Mi: E
Mi bemol: Eb
Re: D
Re bemol: Db
Do: C

Podemos notar que hay ciertas notas que son 'equivalentes' o, mejor dicho, enarmónicas: 

C# y Db
D# y Eb
F# y Gb
G# y Ab
A# y Bb

El uso de uno u otro caso depende del contexto y de la tonalidad. También es importante aclarar que existen otros enarmónicos, por ejemplo: E# (enarmónico de F),  Fb (enarmónico de E), B# (enarmónico de C), etc. Es básico para todo músico estar familiarizado con todos estos enarmónicos y conocer perfectamente todas las notas de la escala cromática de manera ascendente y descendente.

Bueno, pues esto es todo por esta ocasión, nos vemos la próxima con más temas sobre el mundo de la música y el sonido.

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Armonía: la base de la música

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¿Qué es la armonía?

En esta ocasión dejaremos un poco de lado la información técnica y nos enfocaremos en la parte artística y musical. Recordemos que un tonmeister (o experto en artes y ciencias del sonido) debe dominar, tanto la parte técnica de la grabación, mezcla, etc., como la parte artística propia de la música (composición, arreglo, ejecución, etc.). En este sentido, como diría quien considero mi gran maestro de música, Dick Grove: hay que comenzar por el principio.

Entender la música implica comprender muchos conceptos: melodía, ritmo, armonía, instrumentación, etc. En esta ocasión comenzaremos a hablar del que considero como la base para el desarrollo de la musicalidad: la armonía.



Armonía se refiere a la manera en que podemos combinar las notas musicales de modo que generen algún efecto en el oyente. La armonía tiene siglos de desarrollo, o mas bien, de descubrimiento, pues en realidad está basada en fenómenos físicos de las vibraciones: ondas estacionarias y armónicos (de ahí su nombre). Estos fenómenos siempre han existido en la naturaleza, el ser humano mas bien ha ido descubriendo cómo ciertas frecuencias se combinan mejor con otras y cuáles no lo hacen tan bien, esto es la base de la armonía. En términos musicales sería decir cuáles notas se pueden combinar de una manera "agradable" y cuáles no tanto. Como suelo mencionar a mis alumnos: los ingenieros y físicos les llaman "frecuencias de vibración" (Hz) y los músicos "notas", pero son dos caras de la misma moneda.

Podemos mencionar también que la armonía siempre será un tanto subjetiva, pues la idea de sonido agradable no puede generalizarse del todo. Tanto así que podemos nombrar básicamente dos tipos de armonía en la actualidad: la armonía tonal o clásica y la armonía moderna. La primera es una armonía basada en reglas estrictas que se han aceptado durante siglos y que tienen su origen en culturas de la antigüedad como Grecia o Roma, pero perfeccionadas en tiempos del renacimiento. La armonía moderna se desarrolla más bien en el s. XX y es la base de casi todos los géneros populares de la actualidad: desde el blues y el jazz hasta los géneros latinos, rock, pop, electrónica, etc. Las escuelas de música tradicionales, como la mayoría de conservatorios (de ahi el nombre), enseñan armonía tonal, pues contiene las directrices que se han usado desde tiempos de Bach o Mozart y que siguen vigentes en ciertos estilos de música. Las escuelas de música popular contemporánea suelen enseñar armonía moderna, que es un tanto más libre y permite el uso de recursos que no son permitidos en el ámbito clásico pero que son parte esencial de géneros populares como el jazz o el rock.

Es interesante saber que, desde cualquiera de las dos escuelas mencionadas, se puede llegar a lugares sonoros similares. Es decir, la música usa armonía y conocer sobre ella nos permitirá desarrollar las ideas musicales que tengamos en nuestra cabeza sin importar demasiado si aprendimos armonía tonal o moderna, al final es una herramienta más y será la base para poder componer, hacer arreglos, improvisar o ejecutar instrumentos y entender la música en general. En este espacio nos enfocaremos en conceptos de armonía moderna.

Estén al pendiente sobre los artículos de armonía que publicaré. La próxima vez hablaré sobre los bloques básicos de la armonía: las escalas mayores.


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¿Reverberación o eco?

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Explicando el eco... eco... eco...

Uno de los puntos que más confusión genera dentro de la acústica es la diferencia entre reverberación y eco. Es demasiado común encontrarnos con personas, incluso dentro del ámbito del audio profesional, que no tienen clara la diferencia entre estos dos términos.

En primer lugar debemos saber que cuando se genera una onda sonora, esta energía empieza a propagarse a través de un medio. Este medio por lo general es el aire y, conforme la onda va viajando, la amplitud de la onda va decreciendo. Por esta razón un sonido se escucha más tenue conforme la distancia es mayor.

Ahora, cuando la onda sonora choca con un medio distinto, por ejemplo una pared, parte de la energía de la onda se reflejará, parte se absorberá y parte se retransmitirá hacia el otro lado de dicha pared (la energía no se crea ni se destruye...). La onda reflejada es lo que generará un efecto de "eco" o repetición. Este fenómeno es evidente cuando generamos un sonido fuerte a cierta distancia de una pared grande y en un espacio abierto, por ejemplo, una cancha de frontón al aire libre o una barda grande en la calle. Escucharemos una repetición del sonido que generamos una fracción de segundo después. Algunas personas le llaman a esto "rebote", sin embargo este término no es el más adecuado en términos de ingeniería, "reflexión" o eco sería más correcto.

La reverberación

Si en lugar de realizar dicho experimento al aire libre lo hacemos en un lugar cerrado, con pocos muebles y sin cortinas ni alfombra, entonces la onda sonora reflejada se volvería a reflejar con las otras paredes, con el piso y con el techo, y se seguiría reflejando y atenuando una y otra vez hasta que ya casi no se percibiera. Este conjunto de reflexiones muy rápidas es lo que forman la "reverberación". El efecto de la reverberación es típico dentro de las catedrales e incluso dentro de algunos cuartos de baño o casas deshabitadas. La ausencia de muebles con tela o cortinas hace que las ondas sonoras reflejadas se mantengan durante más tiempo y den la sensación de que el sonido continúa.

Cámara reverberante.

Podemos decir entonces que la reverberación está formada por un conjunto de ecos muy rápidos. La reverberación y ecos nos permiten apreciar en sonido ambiente de un lugar. Nuestro oído es un especialista en escuchar detalles de ecos y reverberación de distintos lugares y, así, saber si se trata de un lugar grande, pequeño, cerrado, etc. Esto es lo que marca una gran diferencia al grabar en un estudio casero o en uno profesional, por ejemplo; también nos explica la diferencia del tratamiento acústico de una sala de conciertos y el de un auditorio, o el de un cine y una sala de conferencias.

Todos estos puntos son vitales en el proceso de grabación, sonorización y mezcla, nos ayudan a recrear ambientes sonoros más realistas o tener lugares con acústica más controlada. Cada recinto requiere de cierta cantidad de eco y reverberación según su aplicación, y esto es tema concerniente al especialista en acústica.

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Los sistemas de sonido profesional

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¿Qué es un sistema de audio?

Podemos entender a un sistema de audio como una serie de etapas o bloques interconectados entre sí. La función de dicho sistema puede ser grabar o reproducir sonidos (estudio de grabación) o bien, conseguir que un sonido pueda ser escuchado en zonas más alejadas (refuerzo sonoro).


Siempre vamos a encontrar elementos comunes en cualquier sistema de audio. Ejemplos de sistemas son: grabadora en computadora o tablet, grabadora analógica en cinta, un sistema de concierto, sistemas para karaoke, para DJ, para un restaurante, escuela, etc.

Entradas del sistema

Para empezar, todos los sistemas deben comenzar con alguna entrada. Esta puede ser un micrófono (como el legendario Shure SM58) o bien alguna fuente de señal de audio, como por ejemplo, un instrumento electrónico (sintetizador, guitarra eléctrica) o algún reproductor de música. Estos elementos generan una señal eléctrica de voltaje muy pequeño (mV) que requieren de amplificación. A los niveles de estas señales tan pequeñas se les llama nivel de micrófono (mic level) o de instrumento (inst level).

Fig. 1. Nivel de micrófono.

Sea cual sea la entrada, la primera etapa hacia el sistema tiene que ser un amplificador o pre-amplificador.  Como ya lo mencionamos en otro artículo, el preamp es simplemente un amplificador que toma las pequeñas señales que salen de un micrófono o instrumento y las amplifica hasta que alcanzan un nivel mayor llamado nivel de línea (line level) y que es de alrededor de 1 V. Un ejemplo de esto es el PreSonus TubePre, que incluye una etapa de bulbo para preamplificar la señal.

Prácticamente todas las consolas e interfaces tienen preamplificadores integrados. Una vez que la señal alcanza el nivel de línea, entonces puede ser procesada y manipulada de diversas formas. Por ejemplo, se puede ecualizar, comprimir o procesar con efectos como eco, chorus, etc. Para esto se pueden utilizar procesadores de efectos, como el Behringer FX2000.

Otra característica de la señal de línea es que puede mezclarse sin problemas de ruido con otras señales de línea.

Fig. 2. Procesadores de audio (nivel de línea).


La señal de línea también puede ser digitalizada, lo que permite que todos estos procesos puedan hacerse de forma analógica o digital. Finalmente, la señal de línea también tiene el nivel óptimo para ser grabada, ya sea en un medio analógico (cinta magnética) o en un medio digital (interfaz y computadora). 

Señal de potencia

Cuando la señal de línea ha sido procesada y/o grabada, entonces debemos amplificarla aún más para poderla escuchar. Esto se hace a través de otra etapa de amplificación llamada etapa de potencia. Son los amplificadores de potencia los que elevan la energía de la señal de audio para pasar de nivel de línea a nivel de altavoz (speaker level). Un ejemplo de amplificador de potencia profesional es el Behringer EP2000.

Fig. 3. Amplificador de potencia.

Este nivel puede llegar a ser de hasta 100 V, por lo que debe manejarse con precaución. Esta señal debe ser conducida a través de cables gruesos que la lleven hacia un altavoz que se encargará de convertir las variaciones eléctricas en movimientos del cono. A su vez, el cono moverá el aire y se generará una onda sonora que podremos escuchar.

Sistemas integrados

Esta cadena de procesos es vigente en todos los sistemas, aunque muchas veces no nos damos cuenta de ello porque varios procesos están integrados dentro de un mismo gabinete (como esta Behringer PMP560M). Pero, incluso con las novedades digitales, siempre requeriremos de una entrada, un pre amplificador, una serie de procesos, un amplificador de potencia y de un transductor (altavoz o audífono) que genere la onda sonora.

Fig. 4. Mezcladora amplificada, con efectos y ecualización.

Es muy importante para el ingeniero de audio cuidar siempre que la señal vaya de menos a más en términos de energía. Que al interconectar equipo lo haga considerando la cantidad de energía de cada etapa, esto es, siempre una señal de micrófono debe alimentar a un pre amplificador y éste debe alimentar a un procesador y así sucesivamente sin saltarse etapas.

No respetar estos lineamientos puede ocasionar ruido, distorsión o daños al equipo. Por ejemplo, no debemos alimentar un amplificador de potencia con una señal de micrófono porque es demasiado pequeña para el amplificador. Tampoco debemos alimentar la entrada de un procesador de línea con la señal de potencia, pues la podemos dañar. En fin, hay muchas posibilidades, pero lo importante es recordar que debemos seguir siempre el orden: Mic - Line - Speaker y nos evitaremos muchos dolores de cabeza... ¡y de cartera!

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