Dimensiones óptimas para tu home studio

 ¿Cuáles son las mejores dimensiones que debe tener tu estudio?

Una de las dudas más comunes cuando se está construyendo o acondicionando un estudio de grabación casero, es el de las dimensiones óptimas para la acústica de este espacio

Estudio de grabacion

Este punto es muy importante, pues las dimensiones de una habitación tienen una relación directa con los modos de resonancia de un cuarto. 

Modos de resonancia

Los modos de resonancia son las frecuencias a la cuales resuena una habitación o cualquier otro recinto cerrado, como la cajas de instrumentos musicales o altavoces. Por ejemplo, una guitarra acústica tiene una caja de resonancia que hace que ciertas frecuencias sean amplificadas (resuenen). Esto le da mayor volumen y un sonido característico.

Por otro lado, una guitarra eléctrica, que típicamente no tiene caja de resonancia, casi no se alcanza a escuchar, salvo que usemos un amplificador electrónico. 

De manera similar, las cajas de los altavoces usan la resonancia del gabinete para obtener un mejor sonido de bajos.

Las habitaciones tienen también frecuencias de resonancia que afectan al sonido dentro de la habitación en el rango de los graves. Estas frecuencias dependen de las dimensiones de la habitación, por lo tanto, existen medidas o proporciones que nos ayudan a controlar las resonancias de nuestro estudio y crear una mejor experiencia cuando escuchamos las frecuencias bajas.

Proporciones "doradas"

Existen diversas propuestas para encontrar las medidas idóneas de nuestro estudio. Diversos expertos han propuesto relaciones o ratios ideales, de acuerdo a sus criterios. Por ejemplo:

Autor Alto Ancho Largo
Sepmeyer 1 1.28 1.54
Louden 1 1.4 1.9
Volkmann 1 1.5 2.5

Como vemos, la altura siempre es 1. Esto no significa que sea 1 metro, sino que es el número base. Primero debemos definir la altura y de ahí podremos calcular el ancho y el largo, multiplicando la altura por los valores de la tabla.

Por ejemplo, si la altura de la habitación fuera 2.5 m y queremos usar el criterio de Sepmeyer, entonces multiplicamos 2.5 x 1.28 para sacar el ancho, y después 2.5 x 1.54 para obtener el largo ideal. Así, las dimensiones quedarían: 2.5 m de alto, 3.2 m de ancho y 3.85 m de largo.

De manera similar, se pueden usar las otras proporciones para obtener medidas adecuadas para la reproducción de bajos en nuestro estudio.

Amiba de Bolt

Las proporciones antes mencionadas brindan buenas soluciones acústicas, sin embargo, son pocas opciones para la variedad de habitaciones que pudiéramos tener. 

Para obtener más opciones de medidas, podemos usar un gráfico creado por el científico D. Bolt, llamado "Amiba de Bolt" (este nombre viene de la forma que presenta).

bolt
Amiba de Bolt

En el gráfico se asume que la altura es 1 también. El eje horizontal es el ancho y el vertical es el largo. La idea es que podemos usar proporciones que surjan de cualquier punto dentro de la zona marcada.

Por ejemplo, tomemos el punto C de la imagen. Si trazamos una línea vertical desde el punto C hacia abajo, vemos que llega al valor 1.6, este sería el ancho. Si tomamos el mismo punto C y trazamos una línea horizontal a la izquierda, llega a un valor aproximado de 2.35, este sería el largo. 

Así, las proporciones quedarían: 1 de altura, 1.6 de ancho y 2.35 de largo. Entonces podemos hacer el cálculo en metros como lo hicimos en el ejemplo anterior. 

De esta forma tenemos muchas más opciones para encontrar buenas proporciones para nuestro estudio. Podemos elegir un punto dentro de la "amiba" y obtener distintos valores de ancho y largo, según lo que mejor se adapte a nuestro caso.

La amiba de Bolt también nos puede ayudar a evaluar si una habitación es adecuada para montar nuestro estudio. Por ejemplo, supongamos que tenemos una habitación de 2.7 x 3.1 x 3.8 m. En este caso debemos dividir cada valor entre la altura (2.7).

Así, nos queda una altura de 1, ancho de 1.15 y largo de 1.4. Estas proporciones se ubican en el punto A de la gráfica. Como vemos está fuera de la zona indicada, lo que significa que ese cuarto no tiene las mejores proporciones para reproducción de bajos.

De hecho, las dimensiones de este ejemplo tienden a ser muy "cúbicas". Una forma cúbica es mala acústicamente hablando, pues las frecuencias de resonancia serían muy intensas y nuestra respuesta en graves muy desproporcionada. 

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Masterización para vinilos

Masterizando discos de vinilo 

Qué son los vinilos 

Los discos de vinilo son medios de almacenamiento analógicos de señales sonoras. Comenzaron en la década de 1950 y fueron el principal medio durante el desarrollo de la industria discográfica en el s. XX. El formato más común fue el de discos de 12 pulgadas girando a 33.3 rpm (conocidos como LP o long playing), aunque existen otros tamaños y velocidades.

disco de vinil

A finales de los 80's, con la llegada de los CD de audio digital, los vinilos dejaron de ser el medio principal de distribución de grabaciones. Sin embargo, debido a la calidad de sonido que reproducen, han retomado un auge en los años recientes. De hecho, las ventas de discos de vinilo se han mantenido en aumento constante en la última década.

Actualmente, es común que muchos artistas saquen a la venta material en discos de vinilo. Sin embargo, debido a sus grandes diferencias con el audio digital, se requiere de un tratamiento diferente en el proceso de masterización.


Características principales de los vinilos

En principio, los vinilos literalmente son grabados con las ondas sonoras. Es decir, el movimiento que genera una onda sonora es capturado y grabado (o marcado) en el vinilo. Esto genera surcos microscópicos a lo largo del disco. Por este motivo es que técnicamente, los vinilos no guardan señales de audio, pues no almacenan señales eléctricas, sino que registran las ondas de sonido de forma mecánica.

disco en microscopio
Vinilo visto en microscopio

Esto tiene la ventaja de almacenar el sonido de una manera muy fiel, pues no se requiere de ninguna conversión análogo digital (ADC). Sin embargo, su rango típico de frecuencias es de 30 Hz a 18 kHz, el cual es inferior al de un CD (5 Hz a 22 kHz).

También tiene la desventaja de que los surcos son afectados por el polvo, por rayones y que se van desgastando cada vez que se reproduce el disco. Esto significa que, cuanto más toquemos el disco, ¡la calidad del sonido irá disminuyendo poco a poco!

Otra desventaja es que son mucho más delicados que un CD. Una simple caída puede hacer que el disco se rompa, por lo que hay que ser cuidadosos al manipularlos. Desde mi punto de vista, ¡esto ayudó indirectamente al incremento en la venta de discos del siglo pasado! 😅

Otra de las características es la duración de la grabación. Un vinilo de 12 pulgadas a 33.3 rpm puede almacenar alrededor de 20 minutos por lado, pero esto se puede ajustar dependiendo del nivel de la señal. Cuanto más intensa sea la señal que grabemos, se generarán surcos más grandes y que ocupan más espacio. Por lo tanto, si queremos almacenar más tiempo de grabación, tendremos que sacrificar un poco la intensidad de la señal y, con ello, la relación señal ruido.

Por esto, es muy importante que al masterizar vinilos cuidemos la distribución de canciones en cada lado del disco, cerciorándonos que la duración sea equilibrada y que el orden sea acorde a la idea artística del álbum.

Los vinilos tienen un rango dinámico de alrededor de 70 dB. Esto es bastante menor que los CD, que tienen un rango cercano a los 96 dB. Esto se debe principalmente a que el vinilo genera bastante ruido de fondo, en comparación con un CD. 

Sin embargo, las producciones para vinilo suelen aprovechar mejor este rango dinámico que las producciones para CD, ya que no buscan simplemente sonar fuerte, sino mantener la dinámica de la música. Esto influye de manera importante en la preferencia reciente de escuchar música en vinilos.

Otras características del vinilo son el wow y el flutter. Estos efectos (a veces traducidos como "lloro" y "fluctuación") se deben a los cambios de velocidad de los motores de las tornamesas. El resultado es un cambio en la frecuencia del sonido, lo cual reduce la calidad de la reproducción.

Todas estas características hacen que la masterización para vinilo deba ser diferente que para el audio digital. No se recomienda usar el mismo archivo de audio al masterizar para ambos medios. 

Lo más recomendable es crear un archivo de audio para el master de CD y otro con un tratamiento distinto para el vinilo. En algunos casos, hay quienes también generan una tercera versión para la distribución en plataformas digitales.


Recomendaciones al masterizar para vinilo

Existen diversas compañías que pueden crear vinilos a partir de un archivo digital. Si vas a preparar un master para vinilo, aquí tienes algunas recomendaciones en la entrega de tu archivo:

  • Utiliza archivos WAV a 24 bits y al menos a 48 kHz de sampling rate.

  • Evita demasiada compresión y limitación en general. De preferencia, llega a niveles máximos de -12 dB RMS o -14 LUFS en promedio.

  • El archivo debe tener niveles pico máximos de -1 dB true-peak.

  • Evita el exceso de frecuencias graves y agudas. Como ya mencionamos, un vinilo tiene un rango en frecuencia típico de 30 Hz a 18 kHz, por lo que es perjudicial resaltar demasiado los extremos de frecuencia.

  • Evita el exceso de agudos en las voces. Procura utilizar de-essers en cada canal de voz en la mezcla.

  • La señal debajo de 300 Hz debe ser mono. Puedes usar algún procesador de imagen estéreo multibanda para ajustar esto.

  • La calidad del vinilo se reduce cerca del centro del disco (las últimas canciones de cada lado). Coloca las canciones más importantes al inicio de cada lado.

Como vemos, masterizar para vinilo requiere de ciertos cuidados en la preparación del archivo final. Sin embargo, no son requerimientos tan complicados. En general, hay que recordar que el objetivo de la música en vinilo es brindar mayor dinámica y naturalidad al sonido, por lo que hay que evitar un exceso de procesamiento en el master.


Common acoustic problems in the Home Studio

 The most common acoustic problems

Acoustics is one of the most common issues that a music producer faces in the home studio. Acoustics plays a crucial role in what we hear and how we hear it. 

It doesn't matter how great your audio interface is, or how expensive your studio monitors are, if you listen in a room with bad acoustics, the overall sound quality that you get will be less than optimal.

Acoustics

The world of acoustics is complex. Sound waves behave differently according to their frequency. So, low frequencies behave very differently than mid or high frequencies. This also means that the solutions to control each frequency range are different as well. 

The two main acoustic problems

In most rooms, there are two main "problems" or areas that need to be addressed. Each one needs a different solution. 

Sound Treatment

This issue has to do with the way the sound behaves inside the room. When a sound is produced in a room, it gets reflected back and forth on the different surfaces, walls, ceiling and floor. This creates all kinds of echoes and some reverberation.

These effects must be controlled to have a good listening experience. Without proper acoustic treatment, the sound of recordings or mixes can be confusing. There may be cancellations and colorations that will affect the real sound.

Among the solutions for sound treatment, we have absorbent panels, diffusers and bass traps. We can also use curtains or certain materials on the walls. 

All this treatment will improve the listening experience, but they will do a little to tackle the other main problem: soundproofing.

Soundproofing 

This problem has to do with sound isolation. We want to avoid that some external sound will come into our room or vice versa. Soundproofing has to do a lot with the materials of the walls, but also with the sealing of doors and windows.

Low frequencies are the most difficult to control. This has to do with the wavelength, as large wavelengths are more difficult to block. 

Glass windows are also the weakest links. Glass is not very effective to stop low frequencies, so, it's a good idea to avoid too many windows if possible. 

The most important point that we need to understand, is that each problem has a particular solution. A good, all-around acoustic work needs to fix both problems. So, in reality, there's not a simple solution to solve all the acoustic problems of your studio or any other room.

Here, you can watch a video with more info about this.


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Cómo elegir la mejor tonalidad para un cantante

 Cómo elegir el mejor tono para cantar 

Una de las dudas más frecuentes en la música popular es la de cómo elegir la mejor tonalidad (o tono) para cantar una canción. 

Primero debemos mencionar que este problema se suele dar en la música popular (pop, balada, folklórica, rock, etc.) y no en la música de concierto (clásica). Esto se debe a que en la música de concierto, se suele respetar totalmente la decisión del compositor para elegir una tonalidad. En estos casos, los cantantes deben ser capaces de llegar a las notas que el compositor eligió y rara vez hay excepciones.

Por otro lado, en la música popular no se suele dar tal limitación. De hecho, en muchos casos lo recomendable es buscar el tono adecuado según el cantante que vaya a interpretar. En otras palabras, se debe hacer un "traje a la medida" del cantante, para que pueda explotar mejor su registro y cualidades vocales, y así se consiga una gran interpretación. Esto es algo vital también para evitar lesiones en la voz.

Por ejemplo, si alguien quisiera cantar un cover de Luis Miguel, necesitaría tener la misma tesitura que él (¡algo muy poco común!) para poder llegar a sus mismos tonos y hacerlo de manera correcta. Los ajustes de tonalidad le permiten a un cantante hacer una interpretación mucho más personal y única. Algo que, desde mi punto de vista, debe ser prioritario para un artista.

Encontrando tu tesitura

Lo primero que un cantante debe conocer es su tesitura. Esto es, el rango de notas que puede cantar de manera cómoda. Una forma de conocer esto es con la ayuda de un piano o app de piano. La nota C (do) que se encuentra en medio del piano se llama C central o C4.

C central
C central (C4)

En general, esta es una nota muy cómoda para la voz de mujer y una nota un poco alta para la voz de hombre. La idea es cantar esta nota e ir recorriendo la escala (C, D, E, F, etc.) hasta llegar a la nota aguda que ya cueste trabajo cantar.

Sin duda, lo mejor es hacer esto con la ayuda de un maestro de canto o coach vocal, pero si no cuentas con ello, puedes hacerlo tú mismo, siempre evitando forzar o lastimar tu voz. Muchas mujeres suelen llegar con facilidad hasta notas como A4 o B4, pero esto no es una regla, algunas cantantes entrenadas (y con tesitura de soprano) ¡pueden llegar hasta un G5 o A5!

Rango mujeres
Límite agudo para mujeres

En el caso de los hombres, esto también varía mucho, pero es común que un hombre pueda cantar hasta un D4 o E4.

Limite para hombres
Límite agudo para hombres

El rango vocal también depende del entrenamiento técnico vocal de cada cantante, es decir, se va incrementando con la ayuda de clases de canto. Además, es importante tener un calentamiento previo de la voz antes de encontrar el rango, pues una voz "fría" tiene un rango menor.

De manera similar, se pueden ir buscando las notas más graves del rango. Para las mujeres, las notas bajas cómodas suelen estar alrededor del G3 o A3.

Límite grave de mujer
Límite grave de mujer

En el caso de los varones, el límite grave puede ser cerca del C3 o B2, aunque un cantante bajo ¡puede llegar incluso al E2!

Límite grave de hombres
Límite grave de hombres

Analizando el tema

Una vez que conoces tu rango, es momento de analizar el tema que quieres cantar. Para este ejemplo usaré una melodía muy sencilla y conocida: Martinillo (también conocida como Campanero, Frère Jacques o Brother John).

Martinillo
Partitura de "Martinillo"

La partitura nos indica que la tonalidad original es F mayor (lo sabemos por su armadura). El siguiente paso es identificar la nota más aguda de todo el tema. En este caso, es la nota D5 (marcada en azul).


Nota aguda martinillo
Nota más alta del tema

Este es un punto esencial, pues debemos ajustar nuestra canción para que quede en el rango del cantante. Supongamos que la melodía la cantará una mujer con rango de G3 a B4. En este caso vemos que la canción queda demasiado alta (aguda) para la cantante.

Entonces tendremos que bajar la tonalidad de la canción, de modo que el D5 sea cambiado por el B4 que puede cantar nuestra vocalista. Esto es lo que se conoce como transportar una canción.

Para saber transportarla debemos contar cuántos semitonos hay de distancia entre el D5 y el B4:

Distancia entre notas
Distancia entre la melodía y el límite

Si contamos las notas cromáticamente en forma descendente, tenemos: D5, C#5, C5, B4. Vemos que debemos bajar 3 semitonos. Esto nos da la clave para transportar la canción, pues de la tonalidad original de F mayor, tendremos que bajar 3 semitonos también: F, E, Eb, D. Así que si tocamos la canción en D mayor, estaremos dentro del rango cómodo de la cantante.

Cancion transportada
Tema transportado a D mayor

Con esta técnica, hemos logrado identificar cuál es la tonalidad más apropiada para nuestro rango de voz. De cualquier modo, debemos probar si esta tonalidad realmente es cómoda o podemos hacer algunos pequeños ajustes. Por ejemplo, podemos probar también en C, C# o en Eb para ver si en alguna de esas tonalidades la voz se proyecta de mejor manera o el cantante se siente más a gusto.

La elección de la tonalidad de una canción debe ser una de las primeras decisiones antes de practicar o estudiar algún tema. Pues de la tonalidad depende el rango de los demás instrumentos, el tipo de voicings que harán los instrumentos y el rango de los adornos que se pueden realizar en el arreglo, entre otros aspectos.  

Aquí un video con un ejemplo de esta técnica:


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Don't look back in anger de Oasis, piano cover

 El piano cover de esta ocasión es de la canción Don't look back in anger, de la banda británica Oasis. 

Oasis

Oasis saltó a la fama en la década de los 90's y es una de las agrupaciones icónicas del Britpop. Sus líderes, los hermanos Gallagher, siempre fueron el centro de críticas y elogios por igual. Desde sus auto-comparaciones con los Beatles, hasta los múltiples récords de ventas de sus discos o peleas entre ellos mismos. Oasis fue una banda que dejó huella en la historia del rock con un gran número de excelentes temas.

Don't look back in anger es uno de sus sencillos más exitosos. Esta canción forma parte del álbum que les dió la fama mundial: (What's the Story) Morning Glory? 

Musicalmente, Oasis se caracterizó por melodías pegajosas compuestas por Noel Gallagher y acompañadas por una banda con mucha energía. Don't look back in anger es un tema que comienza con los mismos acordes que la canción Imagine, de John Lennon. Siendo esto un tributo/broma al ídolo de los Gallagher. 

Esta versión captura los elementos principales del arreglo original, pero adaptándolos al piano de una manera más suavizada. Aquí el video en YouTube.