Primeros pasos para producir música en 2023

Introducción

Cuando se trata de producción musical, hay muchas de opciones para trabajar. Puedes usar tu teléfono, computadora, tableta o incluso un controlador MIDI antiguo para hacer ritmos. En este artículo te mostraré las formas más comunes de empezar a producir música y empezar por el camino correcto.

Aprende lo básico

El primer paso para producir música es aprender los conceptos básicos. Sin una comprensión básica de la teoría musical, es difícil que seas eficiente en la producción de tu propia música. Esto significa aprender sobre escalas y acordes, así como también cómo se construyen a partir de partes más pequeñas (intervalos) y cómo se tocan en instrumentos como teclados o guitarra.

Aprender a tocar un instrumento también te permitirá escuchar tus ideas en su forma original, lo que te ayudará a encontrar inspiración para nuevos sonidos más adelante. Si bien es posible crear melodías utilizando solo software como FL Studio o Ableton Live, estos programas están diseñados para presentaciones en vivo, ¡no para tocar instrumentos en ellos! Si deseas un control completo sobre cada aspecto de lo que incluye tu canción, tener acceso directo al tocar instrumentos en vivo hará que todo sea mucho más simple más adelante cuando se realice la mezcla y la masterización.

Consigue un controlador MIDI o un piano digital

Si te tomas en serio la creación de música, lo primero que debes comprar es un controlador MIDI. Los controladores MIDI te brindan la capacidad de reproducir, grabar y editar sonidos desde tu computadora o laptop. También puedes usarlos para controlar instrumentos de software, así como sintetizadores de hardware externos, cajas de ritmos y unidades de efectos, ¡e incluso equipos de DJ si lo deseas! 

Las principales diferencias entre los diferentes tipos de controladores MIDI son cuántas teclas tienen y cuáles son sus dimensiones; también puedes encontrar opciones con diferentes cantidades de perillas o botones. No existe una opción única para todos cuando se trata de elegir un controlador MIDI.

Querrás que tu controlador de teclado tenga entre 61 y 88 teclas, de preferencia. Puedes usar controladores más pequeños, aunque puedes verte algo limitado al momento de grabar, pero esto también depende de tu nivel como tecladista o pianista.

¿Vas a necesitar algo portátil? ¿O planeas mantener este instrumento en un solo lugar? Si la portabilidad no es importante, entonces el peso tampoco debería serlo; sin embargo, si la movilidad es importante, las opciones más livianas no solo cuestan menos, ¡sino que también son más fáciles de tocar!

Busca un host VST

Vas a necesitar un host VST. Este es un software que ejecutará tus VST (instrumentos y efectos virtuales). También son conocidos como DAW (Digital Audio Workstation). Los más populares son Reaper, Ableton Live, FL Studio, Bitwig Studio, GarageBand y muchos otros.

Lo que elijas depende del tipo de música que quieras hacer y cuánto dinero quieras gastar en esto. Algunos host serán más adecuados para ciertos tipos de música que otros porque se especializan en géneros o estilos específicos. ¡Se trata de encontrar el que funcione mejor para lo que quieres hacer!

Aprende a usar instrumentos VSTi

El primer paso para hacer música es aprender a usar instrumentos VSTi. VSTi es la abreviatura de Virtual Studio Technology Instrument, y es un formato común utilizado por DAWs como FL Studio y Ableton Live. Te permite crear nuevos instrumentos y efectos cargándolos en tu DAW, y se pueden reproducir con un teclado MIDI o con el cursor del mouse en la pantalla de tu computadora.

Los VSTi pueden imitar varios sonidos de una orquesta o incluso sintetizar tipos muy específicos de sonidos que no existen en la naturaleza (como una guitarra eléctrica o una batería). Por ejemplo: si deseas que tu canción suene como si se hubiera producido en la década de 1930, puedes cargar un instrumento de piano antiguo en tu DAW; esto le daría más profundidad al sonido del piano y haría que tuviera armónicos únicos en comparación con los pianos modernos.

Aprende a usar efectos VST

Los efectos VST son herramientas que te permiten alterar el sonido de tu instrumento. Se pueden usar para agregar reverberación, delay, distorsión o cualquier otra cosa que puedas imaginar.

Los efectos VST generalmente se aplican seleccionándolos de una lista y arrastrándolos a una pista de instrumento (o cualquier otro tipo de pista en tu proyecto). Algunos ejemplos comunes incluyen: Delay, Reverb, EQ, Compression y Chorus.

Compra un buen par de altavoces o auriculares

Para comenzar con la producción musical, necesitarás de un par de buenos altavoces o auriculares. Esto es importante, para que puedas escuchar lo que estás haciendo en tu música. Si no tienes un buen par de altavoces o auriculares, será difícil editar tu canción correctamente y hacer que suene bien. Los buenos sistemas de monitoreo ayudarán a mejorar la calidad de tus canciones.

Conclusión

El primer paso para producir música es aprender lo básico, y puedes hacerlo leyendo libros, viendo tutoriales o, si prefieres algo más completo y organizado, tomando un curso en línea. 

Un controlador MIDI o un piano digital son geniales para los principiantes, porque te permiten jugar con la música sin tener que preocuparte por comprar equipos costosos de inmediato. Una vez que tengas estas herramientas básicas, es hora de comenzar a sumergirte en las aplicaciones de host VST como Reaper, Logic, Pro Tools, etc. que ofrecen toneladas de opciones diferentes que pueden ayudar a que tu sonido sea lo suficientemente bueno ¡como para distribuir tu música en la red!

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Ejercicios cuadrafónicos para guitarra

 Cómo ejercitar tus dedos en la guitarra

Si estas aprendiendo a tocar guitarra eléctrica o acústica, es básico que realices ejercicios para calentar y fortalecer tus dedos.

Unos de los ejercicios más populares para principiantes en la guitarra, son los ejercicios cuadrafónicos. Estos ejercicios se pueden usar tanto en la guitarra eléctrica como en la guitarra acústica. Se llaman cuadrafónicos porque usan cuatro sonidos en cada cuerda.

Ejercicios para iniciar

Los ejercicios cuadrafónicos tienen varios beneficios para el guitarrista, por ejemplo:

• Calentamiento de los dedos. Con estos ejercicios se pueden iniciar las sesiones de práctica, pues ayudan a calentar los dedos antes de tocar cosas más demandantes.
• Fortalecimiento. Estos ejercicios también ayudan a que los dedos se vayan haciendo más fuertes al tocar las cuerdas.
• Posición. Los cuadrafónicos ayudan a colocar de mejor manera los dedos de la mano izquierda en el brazo y sobre las cuerdas, además también ayudan a desarrollar la posición de la mano derecha al pulsar las cuerdas, ya sea con una púa (pick) o con los dedos.

Estos ejercicios se pueden tocar en cualquier parte del brazo de la guitarra, es decir, comenzando desde cualquier traste. Sin embargo, es buena idea comenzar partiendo desde el traste 5. Si resulta difícil, se puede usar el traste 7 o 9, que son más pequeños.

Por otro lado, cuando ya se tiene más dominio, se puede hacer desde el traste 3 o 1, que son más grandes.

Combinaciones posibles

Los ejercicios cuadrafónicos se tocan siguiendo las combinaciones de los dedos de la mano izquierda. Para esto, se le asigna un número a cada dedo:

1. Índice
2. Medio
3. Anular
4. Meñique

Por ejemplo, el primer ejercicio sería 1, 2, 3, 4; lo que significa que se toca el índice, medio, anular y meñique, en ese orden. Entonces se pasa a la siguiente cuerda tocando de nuevo en ese orden, así hasta cubrir todas las cuerdas. Se puede comenzar desde la cuerda más aguda o desde la más grave.

A continuación se muestran todas las combinaciones posibles. 

1 2 3 4

1 2 4 3

1 3 2 4

1 3 4 2

1 4 2 3

1 4 3 2

2 1 3 4

2 1 4 3

2 3 1 4

2 3 4 1

2 4 1 3

2 4 3 1

3 1 2 4

3 1 4 2

3 2 1 4

3 2 4 1

3 4 1 2

3 4 2 1

4 1 2 3

4 1 3 2

4 2 1 3

4 2 3 1

4 3 1 2

4 3 2 1

No es necesario tocar todas las combinaciones en una misma sesión, pues mucho depende la velocidad con la que se toquen los ejercicios. La velocidad en sí no es tan importante, es mucho más importante tocar con un sonido claro y parejo todas las notas.

Hay que evitar tensiones y posiciones que lastimen la muñeca o el antebrazo. ¡Siempre se debe buscar la forma más relajada de tocar!

Existen también otras variantes de cuadrafónicos usando 2 o 3 cuerdas, sin embargo esos son ejercicios más avanzados que deben realizarse una vez que se dominan los básicos.

Aprender a tocar un instrumento requiere disciplina, pero si te haces el hábito de practicar cuadrafónicos durante solo 5 o 10 minutos al día, verás grandes resultados con el paso del tiempo.

¡Saludos!

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¿Qué es la ecualización de sonido?

La ecualización (EQ)

Dentro del universo del audio, uno de los procesos más populares e importantes es la ecualización. Es a través de la ecualización como podemos mejorar o corregir detalles sonoros que no se pudieron evitar al momento de grabar o capturar el sonido. En este sentido, es muy importante aclarar que la ecualización no debe ser vista como una herramienta "mágica" que tiene que usarse en todo momento, de hecho los "maestros del audio" dirían que siempre es preferible no tener que usar ecualización o usar solo la necesaria.

El ecualizador

El nombre ecualizador se refiere a igualar, es decir, su función originalmente era ayudar a igualar el sonido de la señal capturada con el de la señal original debido a las deficiencias que tenían muchos micrófonos y altavoces antiguos. Es por ello que el ecualizador se usaba, por ejemplo, para aumentar agudos que el micrófono no lograba capturar adecuadamente.

Actualmente los ecualizadores se siguen utilizado de esta manera en el audio profesional, sin embargo, también pueden ser usados para crear efectos especiales como: sonido tipo teléfono, radio antiguo, megáfono, altavoces pequeños, etc. o bien para compensar deficiencias propias de la fuente sonora y no necesariamente de un micrófono, por ejemplo: una persona quiere que su voz suene más profunda de lo que es en realidad y usamos ecualización para agregarle graves y conseguir ese efecto.

Aplicaciones del ecualizador

Una de las aplicaciones más importantes de los ecualizadores es la de atenuar o filtrar ciertas frecuencias que "ensucian" el sonido. No me refiero necesariamente a quitarle ruido, puesto que para este propósito existen otras herramientas más especializadas de las cuales podemos hablar en otra ocasión, sino a atenuar resonancias y frecuencias que muchas veces molestan al oído (creo que todos hemos escuchado esos platillos o guitarras eléctricas que son muy desagradables o incluso lastiman). 

En mi opinión, cualquier señal de audio que moleste a nuestros oídos mientras la escuchamos está mal grabada o mal ecualizada, el buen audio debe ser un deleite y una experiencia que nos invite a segur escuchando, ¡no a querer huir de ello! Esto lo menciono sin tomar en cuenta el género musical, pues aunque haya música que sea agresiva en su interpretación, su sonido debería ser claro, definido y potente, pero no desagradable.

Tipos de ecualizadores

Podemos catalogar los ecualizadores de la siguiente manera:

EQ gráfico

Este ecualizador es uno de los más comunes. Tiene una serie de bandas que ajustan el nivel de de las frecuencias dentro de esa banda. Con este EQ podemos ver una "curva" de ecualización, es decir, el resultado de subir o bajar las distintas bandas, por lo que es más intuitivo de operar. Suele usarse para ecualizar un sistema de sonido o altavoces.

EQ paramétrico

Este es el ecualizador más usado por ingenieros de audio profesionales. Se llama así porque con él podemos ajustar los parámetros de cada banda. Estos parámetros son:

• La ganancia.
• La frecuencia de ajuste
• El ancho de banda. Este parámetro también es conocido como "Q"

Este ecualizador suele estar en los canales de las consolas de audio profesionales. El uso del ecualizador paramétrico es más complicado que el gráfico, pues no tenemos una guía visual tan clara, sin embargo es el más efectivo para afectar solo las frecuencias necesarias.

EQ shelving

Este ecualizador es quizás el más común, puesto que es muy sencillo. Normalmente lo conocemos como control de bajos (bass) y agudos (treble) en muchos equipos de sonido caseros.

Su uso es también muy sencillo, pues simplemente aumentamos o disminuimos el nivel de graves y agudos en la señal. Quizás el principal problema con este EQ es que puede utilizarse de más, ¡incluso cuando no es necesario! Por eso es básico escuchar primero sin EQ y después ajustar solo lo que sea necesario.

¿Cómo ecualizar?

Aprender el arte de ecualizar requiere de una buena cantidad de conocimientos especializados y mucha práctica. En este sentido, he publicado un video gratuito donde explico la aplicación de un filtro notch o filtro de aguja. Este es es un tipo de ecualizador que se usa mucho dentro del audio profesional precisamente para atenuar solamente las frecuencias que están ensuciando la señal, pero deja intactas a todas las demás. 

También te invito a que tomes mi curso de ecualización en línea, en donde se ven con detalle los temas más importantes sobre cómo ecualizar voces, baterías, guitarras, etc.

Puedes ver lecciones gratuitas de mi curso aquí.

¡Nos vemos la próxima!

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¿Qué es un preampflificador?

El preamplificador o "preamp"

Uno de los puntos más importantes, y también más ignorados por muchos operadores dentro de cualquier sistema de audio, es el preamplificador, también llamado preamp, previo o pre. 

El preamplificador es quizás la etapa más crítica en cuanto a la manipulación de una señal de audio se refiere, pues es en esta etapa donde nuestra señal puede aumentar más su cantidad de energía ¡incluso hasta un millón de veces! (no tenemos esa cantidad de amplificación en ninguna otra etapa). 

Por este motivo, es crucial entender cómo operar adecuadamente un preamplificador. Muchos de los problemas más comunes en los sistemas de audio, como distorsiones, ruido y retroalimentaciones o feedback se suelen deber a un mal ajuste del preamp. De hecho, en mis cursos y seminarios comenzamos siempre por saber ajustar el preamplificador de una consola antes de pasar a lo demás.

 

¿Para qué sirve un preamplificador?

Lo primero que debemos entender es que el preamp es un amplificador que se encuentra generalmente en las entradas de las consolas o mezcladoras (mixers). Su función es darle la amplificación necesaria a las distintas señales que conectamos a una mixer, por ejemplo: micrófonos de distinto tipo, instrumentos electrónicos y electroacústicos, CD players, procesadores de efectos, etc. 

Todas estas señales son distintas y requieren de distinta cantidad de amplificación, es el preamplificador quien se encarga de ello. De este modo, todas las señales entrarán a la mixer con un nivel similar y podrán ser mezcladas de mejor manera, reduciendo así la probabilidad de distorsión o ruido en la salida de la consola. 

¿Ganancia?

El control de la ganancia del preamplificador generalmente lo encontramos en la parte superior de cada canal y suele estar etiquetado como Gain o Trim. Algunos equipos tienen también una indicación de los dB's de ganancia o sensibilidad en dichas perillas. 

En esta consola, la ganancia del pre son las perillas rojas de arriba de cada canal.

En esta consola, el preamp se controla con las perillas grises de arriba.

¿Cómo ajustar la ganancia de un preamplificador?

La parte clave es saber qué tanta ganancia tenemos que darle a cada canal, esto es lo que se conoce como estructura de ganancia y será un tema completo que veremos en otra ocasión. Sin embargo, de manera general podemos mencionar el siguiente procedimiento:

1. Girar la perilla al mínimo antes de conectar el micrófono o instrumento respectivo. Cabe señalar que colocar el preamp en esta posición NO significa que no tengamos "volumen", sino mas bien que la amplificación es poca (en otras palabras, algunos micrófonos pueden mandar suficiente señal incluso con la perilla al mínimo).

2. Conectar nuestro micrófono o instrumento y pedirle al músico que cante o toque un poco aunque aún no se escuche (Esto es lo que se conoce como line check).

3. Accionar el botón PFL (pre fader listen) de nuestro canal y monitorear en los medidores principales de la consola cuál es el nivel de nuestra señal (por lo general habrá muy poco nivel y solo encenderán los LED de abajo). 

4. Ajustar el preamp de modo que el nivel de la señal oscile alrededor de 0 dB en los medidores principales. La cantidad de ganancia necesaria dependerá de varios factores como: los volúmenes de cada músico, el tipo de micrófono y distancia de éste, el tipo de técnica vocal o de ejecución, etc. Podemos ver que si el micrófono cambia de manos o tenemos cambio de músicos tendremos que hacer reajustes casi siempre. 

5. Desactivar la función PFL. 

Sección Master de una consola con medidores de LED.

¿Cómo ajustar el volumen del sistema de sonido?

El nivel o volumen de salida dependerán de la posición de nuestros faders y de la ganancia de los amplificadores de potencia principalmente. Los faders suelen manejarse alrededor de 0 dB y la ganancia de los amplificadores de potencia requiere de una explicación más profunda que trataremos en otra ocasión.

Finalmente, es importante mencionar que también existen preamplificadores externos que se suelen usar en estudios profesionales y que se utilizan en lugar de los "pres" de las consolas para conseguir un sonido con características diferentes. 

Estos suelen instalarse en un rack o gabinete y pueden costar ¡hasta $5000 USD cada uno! El uso de estos preamps depende de la calidad sonora que se desea, pues varios de estos pres basan su funcionamiento en válvulas electrónicas o bulbos que le imparten a la señal un "color" o sonido muy particular y del agrado de muchos ingenieros y productores.

Preamp externo de alta calidad con ecualizador integrado marca Neve.

Si quieres aprender más sobre Ingeniería en Audio, te invito a que tomes mi curso online, en donde aprenderás todos los conceptos fundamentales de la ingeniería de sonido. Puedes ver más información y tomar lecciones gratuitas aquí.

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Cómo improvisar en tu instrumento musical

 La improvisación musical

Tocar un instrumento musical trae una gran satisfacción personal. La mayoría de personas comenzamos aprendiendo canciones sencillas o bien, nuestras melodías favoritas. Sin embargo, hay un siguiente nivel en la expresión musical con nuestro instrumento: la improvisación.

¿Qué es la improvisación musical?

Improvisar significa crear melodías nuevas de forma espontánea. La improvisación es una habilidad importante para los músicos, pues muchas veces la música requiere de momentos en donde los músicos creen ideas musicales de manera espontánea.

Esto depende mucho del género musical. Por ejemplo, en casos como el blues, rock o jazz, la improvisación juega un papel fundamental, pues estos estilos se basan en la inspiración y habilidad de los músicos para crear "solos" improvisados.

En otros estilos musicales la improvisación no es tan crucial y, de hecho, muchas veces prohibida. Como es el caso de la música de concierto o "clásica", en la que el músico debe sujetarse a tocar únicamente lo escrito en la partitura.

¿Cómo empezar a improvisar?

Saber improvisar requiere de varios puntos importantes. Veamos cuáles son.

Técnica del instrumento

Para poder improvisar es necesario saber generar un buen sonido en nuestro instrumento musical. Algunos instrumentos, como el piano o el órgano, no presentan mucha dificultad para generar sonido. Simplemente debemos pulsar las teclas y el sonido se generará sin problemas de afinación o tono.

Sin embargo, la mayoría de los demás instrumentos requieren de una buena dosis de técnica y práctica para poder generar un buen sonido. En casos como el saxofón, trompeta, violín, flauta, guitarra, etc. no es suficiente con conocer las notas, es necesario usar la técnica correcta para poder emitir un sonido claro y agradable. Esto será el resultado de un buen tiempo de práctica, que pueden ser semanas o meses. 

Es difícil empezar a improvisar si ni siquiera se puede generar un sonido adecuado, por lo que este primer requisito es esencial.

Conocimientos de armonía

Otro requisito importante para improvisar es tener conocimientos de armonía. La armonía estudia la relación entre las notas musicales y esto nos ayuda a saber cuáles notas podemos combinar entre sí y cuáles no.

A través de la armonía podemos conocer escalas y acordes que nos servirán como base para una improvisación. En este sentido, existen diversas escuelas sobre la enseñanza de la armonía, como la armonía tradicional o "tonal", que es la empleada en la música de concierto o clásica; así como la armonía "moderna", que está más enfocada al jazz y géneros populares.

En este sentido, la armonía moderna suele ser una herramienta más práctica para aplicarse en la improvisación musical, sin embargo, alguien con conocimientos básicos de armonía tonal también puede empezar a improvisar, usando la guía adecuada. 

En este enlace puedes ver los contenidos de mi curso online de armonía moderna. Tómate la libertad de explorar los temas y ver las lecciones gratuitas.

Oído musical entrenado

Este es quizás el requisito más importante para poder improvisar. El arte de la improvisación requiere de que el músico tenga claras las ideas musicales en su cabeza y sepa cómo debe sonar cada nota aún antes de ejecutarla. 

Esta habilidad es resultado de un entrenamiento del oído musical. Con los ejercicios adecuados y práctica, el oído del músico va aprendiendo poco a poco a identificar diferentes notas, escalas y fragmentos melódicos. Esto le da las herramientas para poder identificar las notas que "suenan en su cabeza" y así crear melodías manera espontánea.

Una manera de aprender a improvisar es usando un método basado en el desarrollo del oído y usando pocas notas en un principio. De esta manera, el alumno puede ir creando música siguiendo a su oído sin necesidad de aprender decenas de escalas y acordes.

Este método también tiene la ventaja de que no requiere un nivel técnico alto, pues no se necesitan tocar demasiadas notas, sino solo enfocarse en pequeños grupos de 3 o 4 notas.

Si te interesa aprender sobre este sistema de improvisación para principiantes, te invito a que veas mi curso online de Improvisación para todos los instrumentos. ¡También encontrarás lecciones gratuitas!

Aquí te dejo un video sobre una de las técnicas empleadas en el curso: el uso de notas de paso. ¡Que lo disfrutes!

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